ОПЕРА И БАЛЕТ

Звезды и легенды оперы и балета

Приморский театр оперы и балета

18 октября 2013 года постановкой оперы «Евгений Онегин» (постановка Алексея Степанюка) открылся для зрителей Приморский театр оперы и балета. 2_14.jpgИсполнители партий: Онегина — Алексей Марков, Ленского — Виталий Ишутин, Татьяны —  Наталья Тимченко. На следующий день планируется Гала-концерт с участием мировых оперных звезд, приуроченный к 75-летию  Приморского края. Для его постановки приглашен знаменитый немецкий продюссер и режиссер Ханс-Йоахим Фрай. Состав участников пока держится в тайне, но сообщается, что ожидается выступление одного из лучших теноров мира Владимира Галузина.
    Строительство нового театра во Владивостоке началось в сентябре 2010 года и3_12.jpg было приурочено к саммиту АТЭС-2012. За основу при проектировании было решено взять здание южно-корейского оперного театра, находящегося в городе Коян. Строители построили ультрасовременное здание высотой 60 метров (от подвала до крыши), которое включает в себя 7 надземных и 2 подземных этажей. В нем уютно разместились большая (1500 мест) и малая (350 мест) сцены. Главная  выполнена в форме подковы. Этот зал состоит из партера и четырех ярусов балконов. При ее проектировании было решено полностью отказаться от академичности дизайна и использования деревянных резонирующих материалов. Однако, и это главная гордость строителей и проектировщиков, удалось добиться прекрасных акустических свойств. 6_6.jpgСама же сцена — это уникальное конструкторское решение, позволяющее практически неограниченно, благодаря наличию подъемных плоскостей и выдвижных фур, трансформировать сценическую площадку с учетом пожеланий постановщика. Занавес закрывается: вертикально, горизонтально и даже по диагонали! А смена декораций и света продуманы так, что позволяют проводить спектакли без антракта! Многоуровневая оркестровая яма театра расчитана на 95 человек. Что же касается малой сцены, то благодаря подъемным механизмам она может превращаться в амфитеатр. Кроме этого в театре разместилась звукозаписывающая студия и планируется создание собственного лэйбла для записей альбомов оперных исполнителей и симфонических произведений.
     Для руководства театра были приглашены знаменитые артисты и музыканты ведущих театров страны.
 Генеральным директором театра стал один из ведущих танцовщиков Большого театра Владимир Непорожний.
Художественным руководителем и главным дирижёром театра назначен Антон Лубченко.
Художественным руководителем балетной труппы театра стал Айдар Ахметов.4_7.jpg
Генеральным продюсером — Владимир Тимошенков.
  До конца 2013 года планируется поставить оперы: «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Иоланта». Балеты: «Лебединое озеро», «Кармен. Пахита» и «Щелкунчик».

Антонина Васильевна Нежданова глава 5

Нежданова часто подвергала переработке текст, заботясь не только о повышении его художественной ценности, но и о его наибольшем удобстве для вокального произношения. Особенно придирчиво относится Антонина Васильевна к словам с неудобными для голоса гласными и трудными для пения сочетаниями согласных. Нежданова отвергла движения, которые нарушают процесс дыхания, так как они протеворечат сущности оперного искусства. Как правило у певцов с годами блекнут краски голоса, исчезает его ровность.Если верхний регистр, развившийся в процессе работы, дольше сохраняет свою свежесть, то средние и низкие звуки бывают поражены почти всегда в первую очередь. В голосе появляется замедленная вибрация, называемая «качанием» и производящая неблагоприяное впечатление.

Десятилетия работы на оперной сцене, конечно, не могли не оставить следа на голосе певицы. В отличие от других, Нежданова избегала в последние годы лишь крайних высоких нот, т.к. они при самом естественном и свободном пении требуют напряжения, на которое способен лишь молодой организм и абсолютно эластичные связки. Нежданова сохранила гибкость и красоту исключительного по тембру голоса и, что главное, свободное распоряжение средним регистром, который обычно становится первой жертвой времени.
Романс Нины из музыки Глазунова к драме Лермонтова «Маскарад» (тональность g-moll) поют не только лирические женские голоса, но и драматические. Романс построен преимущественно на центральных звуках. Приходится удивляться выразительности звуков первой октавы (особенно ля и соль в финальной фразе «и целый ад в груди моей») у певицы, которая в пору этой записи (1939 год) находилась уже в возрасте, когда большинство певцов не поют вообще. В её голосе сохранился до последних дней диапазон её натуральных звуков.Только простота и естественность процесса пения на протяжении всей артистической жизни помогла Неждановой быть такой и в искусстве, помогли сохранить присущее ей высшее вокальное мастерство.
Неждановой предлагали концертное турне по Германии, приглашали В Лондон,Рим, в Америку. Но только однажды до революции она согласилась выступать за границей. Это был ряд спектаклей в «Гранд-опера» в Париже в 1912 году. Партнёрами Неждановой были величайшие певцы того времени — Энрико карузо и Титти Руффо. О её выступлениях пресса писала:»У Неждановой голос редкого тембра и кристальной чистоты, которому доступны все эффекты вокальной виртуозности».Больше всего обрадовало Нежданову отношение Шаляпина, присутствующего на спектакле «Риголетто». Он прислал ей корзину цветов и письмо, в котором признавался в пережитом за певицу волнении и радости за торжество русского вокального искусства.
После революции в 1925 году Нежданова получает звание народной артистки РСФСР. В 1933 году получет орден Трудового Красного Знамени. В 1936 году она становится народной артисткой СССР. В 1937 году получает Орден Ленина.
Антонина Васильевна стала выдающимся педагогом-вокалистом. Собственное мастерство, понимание и умение анализировать его технологические и творческие основы, методические принципы, к которым она пришла в результате многолетнего опыта- всё это помогло плодотворной педагогической деятельности. В 1944 году Неждановой присуждается степень доктора искусствоведческих наук. Осенью 1947 года Антонина Васильевна приступает к работе с начинающими студентами  в Московской консерватории, в стенах которой были заложены основы её мастерства.
Славная жизнь Антонины васильевны Неждановой прервалась 26 июня 1950 года. Закончилась вызывающее глубокое преклонение творческая деятельность выдающейся русской певицы.

Самые известные балетные училища мира (The most famous ballet schools in the world )

Хотелось бы отметить, что данный перечень хореографических школ не претендует на звание «рэйтинга». В свою очередь хотелось бы предостеречь читателей от подобных топ-листов. На мой взгляд, составляя подобное ранжирование их создатели не особенно утруждают себя критериями оценок училищ. А руководствоваться только древностью стен или количеством Улановых или Барышниковых, выращенных школой, наверное, не совсем верно. Поэтому всегда может возникнуть вопрос: «А почему собственно «School of American Ballet», NYC, USA поставлена в рэйтинге выше, чем «Академия русского балета им. А.Я. Вагановой», Санкт-Петербург, Россия?» Потому что у первых больше нулей в бюджете или потому что на последнем конкурсе у американцев было больше призеров? И так далее и тому подобное. Но, будучи патриотами, мы все-таки начнем с «наших», а дальше по алфавиту (чтобы никого не обидеть). Итак, перечень тех, кто на наш взгляд входит в элиту мировых балетных школ.

  • Московская Государственная Академия хореографии при ГАБТ (Bolshoi Ballet Academy, Moscow, Russia)
  •  Академия русского балета им. А.Я Вагановой (Vaganova Ballet Academy, Saint Petersburg, Russia)
  •  Australian Ballet School, Australia (Австралийская балетная школа). 

    ABS была основана в марте 1964 года. Обучение начинается с 8 лет и состоит из восьми уровней подготовки. На базе школы ведется обучение и иностранных одаренных детей. В течение полугода до 90 процентов выпускников получают работу как в Австралии так и за пределами континента. Адрес училища: The Australian Ballet School. 2 Kavanagh Street Southbank, Victoria Australia

  • Central Pennsylvania Youth Ballet, USA (Молодежный балет Пенсильвании, США). 

    Marcia Dale School of Dance, так сначала называлась CPYB, была основана в 1955 году. Обучение в училище ведется в трех подразделениях: children’s (возраст 3+); primary (6+) и pre-professional. Адрес училища: Central Pennsylvania Youth Ballet. 5 North Orange Street, Suite 3 Carlisle, PA 17013-2727, USA

  • Ellison Ballet School, New York, USA (Школа балета Эллисона, США)

     Достаточно молодое училище. В прошлом году отмечался его 10-летний юбилей. Основатель и художественный руководитель академии Эдвард Эллисон. Подготовка танцоров базируется на методах обучения в АРБ им. А.Я. Вагановой, также в училище работает много российских специалистов. Училище находится на Махэттене недалеко от Линкольн-центра. Адрес училища:  248 West 60th Street, New York, NY 10023, USA

  • Escuela Nacional de ballet de Cuba, Havana, CUBA (Кубинская национальная балетная школа.

     Школа была основана в 1931 году музыкальным обществом Pro Arte. Учениками и преподавателями здесь в разные годы были такие звезды балета как Алисия и Фернандо Алонсо, Рамиро Герра. Находится школа в Гаване на бульваре Прадо.

  • Houston Ballet Academy, Houston, USA (Хьюстонская балетная академия, США).

     Академия была основана в 1955 году русской танцовщицей Дягилевского балета Татьяной Семеновой. В настоящее время в учебном заведении обучается свыше 1000 человек в год. В обучении студентов задействованы лучшие специалисты и хореографы мира. Отбор в школу проводится в 6-летнем возрасте. Обучение состоит из четырех программ: дошкольная, для взрослых, предпрофессиональная и профессиональная. Адрес Houston Ballet Academy: 601 Preston St, Houston, TX 77002, USA 

  • Joffrey Academy of Dance, New York, Chicago, USA (Академия танца Джоффри, США) 

    Академия была открыта в 1956 году в Нью-Йорке, а в 1995 году поменяла прописку
    на Чикаго. Ее отцами-основателями стали Роберт Джофри и Геральд Арпино. Двери школы открыты для всех желающих получить обучение в области классического балета. В школе существует несколько подразделений: детское (от 3 лет); молодежное (с 9 лет); взрослое (старше 15). В училище проводятся мастер-классы. Адрес училища: 10 E Randolph St, Chicago, IL 60601, USA

  • John Cranko School, Stuttgart, Germany (Школа Джона Крэнко (Кранко), Германия.

      Школа была открыта 1 декабря 1971 года в Штутгарте и была названа в честь ее основателя выдающегося танцовщика и балетмейстера Джона Крэнко. Спустя два года академия получила статус государственной.  Студенты обучаются основам классического балета в диапазоне от базового до профессионального уровня. Дошкольное обучение начинается в 7-летнем возрасте и продолжается в течении четырех лет. С 10 до 16 лет проходит базовая подготовка. Обучение в академии для получения профессионального балетного образования проходит в последующие 2 года. Образование в академии бесплатное (исключая питание и проживание). Адрес академии: John Cranko Schule, Urbanstrasse 94, 70190 Stuttgart, Germany

  • JKO Ballet School, USA (Школа балета им. Жаклин Кеннеди).

     Школа Жаклин Кеннеди Онассис  (ABT/JKO) является ассоциированной школой American Ballet Theatre. Она расположена в Нью-Йорке на Манхэттене. Ежегодно в школе обучается около 300 студентов. Обучение проводится в двух подразделениях: детском (3 — 12 лет) и предпрофессиональном (12 — 18 лет). Выпускники школы JKO работают в престижных балетных труппах, включая American Ballet Theatre, BalletMet Columbus, Alberta Ballet, Boston Ballet, Houston Ballet и The Juilliard School.

  • The Juillard School Of Dance, New York, USA (Джульярдская школа, США).

     Школа начала свое существование в 1905 году, тогда в Нью-Йорке был основан институт музыкального искусства. В 1926 году произошло его объединение с  Джульярдской высшей музыкальной школой. В 1951 году в школе было образовано отделение танца. Обучение основано на изучении современного, классического, лирического танца. Адрес школы: The Juilliard School, 60 Lincoln Center Plaza, New York, USA

  • Ecole de Danse de l’Opera de Paris (Школа балета парижской национальной оперы).

    «Консерватория танца» была учреждена в 1713 году указом Людовика XIV. Это старейшее подобное учебное заведение в мире. Изначально школа занимала здание Opéra Garnier, но 20 лет назад училище переехало в Нантер.  Классический академический танец на протяжении уже более 300 лет остается основной специальностью в школе. Набор начинается с 8-летнего возраста. Школа проводит конкурсный отбор претендентов на подготовительные отделения продолжительностью год или полгода (в зависимости от возраста). Учащиеся во время обучения имеют возможность выступать на сцене Парижской Оперы. Обучение, проживание, питание — бесплатные. Адрес школы: 20 Allée de la Danse, 92000 Nanterre, Франция

  • National Ballet School (NBS), Canada (Канадская государственная школа балета).

    NBS основана в 1959 году. Эта школа является единственной балетной академией в Северной Америке. Возраст учащихся от 6 до 17 лет. Есть программы для взрослых. Адрес National Ballet School: 400 Jarvis St, Toronto, ON M4Y 2G6, Канада

  • Princess Grace of Monaco Academy, Monte Carlo (Академия балеты принцессы Грэйс в княжестве Монако).

    Академия была основана в 1975 году во многом  стараниями принцессы Грейс и князя Ренье III, пожелавшим открыть в княжестве Монако балетное училище с высокими стандартами образования. Реализация этих амбициозных планов стала возможной благодаря работе знаменитого танцовщика и хореографа Жана-Кристофа Майо, который возглавил училище. На учебу в академии набираются воспитанники в возрасте 13 — 18 лет, имеющие базовое хореографическое образование.  Обучение платное, но есть и система грантов для одаренных детей.  Адрес Princess Grace of Monaco Academy: 5 Avenue de la Costa, 98000 Monaco, Монако

  • The Royal Ballet School, London, Great Britain (Академия английского балета).

    Школа была основана в 1926 году, когда знаменитая танцовщица и хореограф ирландского происхождения Нинетт де Валуа открыла  Академию хореографического искусства. В 1946 году училище обосновалось в Ковент-Гарден в здании Королевской оперы. Свое сегодняшнее название школа получила в октябре 1956 года. Обучение в училище как очень престижно так и очень дорого. В школе на сегодня существуют две ступени обучения: начальное (3 — 10 лет) и профессиональное (11 — 16 лет). Воспитанники академии желанны не только в Британии, но и во многих крупнейших театрах мира. Адрес The Royal Ballet School46 Floral Street, Covent Garden, London WC2E 9DA, UK
    +44 (0)20 7836 889

  • Royal Danish School, Denmark (Датская королевская школа балета)

    Училище ведет свое летоисчисление с 1771 года. Тогда французский придворный учитель танцев Пьер Лоран основал небольшую (6 — 8 человек) школу для Королевского Датского театра. Через четыре года  итальянский хореограф Винченцо Галеотти  создал свою школу, которая работала параллельно с предыдущей и вскоре стала базовой. В 1829 году директором стал датский танцовщик Август Бурнонвиль, который поставил в училище около пятидесяти балетов, из которых около десятка до сих пор входят в репертуар.  В его честь с 1979 года проводится Бурнонвиль фестиваль. С 1932 года училище возглавлял  Харальд Ландер. Он поставил ряд известных классических балетов и стал вдохновителем собственных хореографов на создание новых постановок.  Образование в школе начинается с дошкольного (0 класса) и заканчивается выпускными экзаменами в 9 классе. 

  • San Francisco Ballet School, USA (Школа балета в Сан-Франциско, США)

    Школа балета в Сан-Франциско была основана в 1933 году и стала первым подобным учебным заведением в США.  Большую роль в процессе формирования училища, как самостоятельного субъекта, сыграли братья Виллам и Харольд Кристенсены. Прием в школу осуществляется по результатам экзаменов (11 лет). Ежегодно в училище принимается более 400 воспитанников из разных стран. Обучение студентов рассчитано на семь лет. Есть стипендии и материальная поддержка для малообеспеченных детей. Адрес San Francisco Ballet School: Chris Hellman Center for Dance, 455 Franklin Street (at Fulton), San Francisco, CA 94102, USA. Email: school@sfballet.org

  • School of American Ballet, New York, USA (Школа американского балета, США)

    Школа была основана в 1934 году благодаря союзу мецената Линкольна Кирстейна и хореографа Джоржа Баланчина. Во многом благодаря усилиям последнего, а также многочисленным русским учителям-эмигрантам воспитанники  получали балетное образование и технику на самом высоком мировом уровне. Однако не лишним будет сказать, что Баланчин стремился все-таки к созданию именно американского стиля танца. В 2009 году училище было награждено национальной медалью искусств. Обучение в школе начинается с 8 летнего возраста и длится в течении десяти лет. Год обучения в SAB стоит от 2500 до 5000 долларов. Каждый год семь счастливчиков из примерно 50 выпускников приглашаются стажерами в NYCB.

  • Scuola di Ballo del Teatro alla Scala, Milan, Italy (Школа балета при театре Ла Скала, Милан, Италия)

    Школа была основана  в 1813 году импресарио Бенедетто Риччи как Императорская Академия танца театра Ла Скала. После обретения Италией независимости получила новый статус «королевской». Благодаря стараниям знаменитого хореографа Карло Блазиса, который занимался обучением воспитанниц, Академии удалось приобрести известность во всей Европе. В начале XX века училище возглавляла прима-балерина Мариинского театра Ольга Преображенская. Училище подготавливает студентов по двум направлениям: классический и современный танец. Клаасы систематизируются в две ступени: введение в танцевальное искусство (6 — 10 лет) и профессиональный танец (11 — 18 лет).

  • The Sunhwa Arts High School, South Korea (Южнокорейская школа искусств Сонхва)

    Балетное училище Sunhwa или «Маленькие ангелы», как их еще  называют — это частная южно-корейская школа. Она была основана известным в Корее общественным деятелем Мун Сон Мёном в 1962 году с целью улучшения международного имиджа страны. Для поступления в школу абитуриенты проходят жесткий отбор не только по профпригодности, но и по другим дисциплинам. Соответствие самым высоким стандартам в обучении и подготовке будущих танцоров — главный приоритет школы. Отсюда и высокие требования к студентам, обучающимся в Сонхва. Из выпускников школы: Кан Су Джин, прима-балерина Штутгартского балета; Джулия Мун — прима-балерина и артистический директор компании «Юниверсал балет». Адрес училища Sunhwa Arts High School:  South Korea, 143-847, Seoul, Cheonho Daero, 664

  • Vienna State Opera Ballet School, Austria (Венская школа балета, Австрия)

    Школа балета при Австрийской опере была открыта в 1771 году. Интересно, что сначала там обучались 8 девочек и столько же мальчиков, на которых приходились два преподавателя. В школе сегодня обучаются воспитанники от 9 до 18 лет. В школе есть программы поддержки студентов и грантов для талантливых воспитанников. Учащиеся принимают участие в спектаклях Венской оперы.

Остеохондроз

Остеохондроз — это деформация, изменение формы и структуры хрящей позвоночника. Межпозвоночный диск состоит из ядра, фиброзного кольца и гиалинового хряща. При повышенных нагрузках на позвоночник студенистое ядро смещается в сторону повреждения, тем самым образуется смещение позвонков относительно друг друга. gryzha.jpgПроисходит сдавлевание нервных корешков, которые в свою очередь и являются причиной возникновения болей. При полном разрыве фиброзного кольца, покрывающего со всех сторон хрящи образуется межпозвонковая грыжа. Различают несколько видов остеохондроза: шейного одела; грудного отдела; поясничного отдела позвоночника. Последний встречается значительно чаще, т.к. на эту часть спины приходятся самые значительные нагрузки. Встречается также и комбинированный остеохондроз, когда поражаются сразу два или более отделов.

    В большей или меньшей степени этому недугу подвержены все люди. Он может развиваться практически при любой жизнедеятельности человека. Обычно первые признаки заболевания появляются у каждого третьего человека в 35 — 40 лет. При постоянных сильных динамических нагрузках отмечены случаи возникновения остеохондроза и появления межпозвоночных грыж даже у подростков 15 летнего возраста. Однако, можно вести и довольно размеренный образ жизни, но при этом быть в зоне риска. Неправильная осанка, избыточный вес, монотонная однообразная работа, отсутствие двигательной активности, генетическая предрасположенность — главные, но не единственные  причины возникновения заболевания.
    Симптоматика проявления остеохондроза различается в зависимости от его вида.
   

  • При остеохондрозе шейного отдела: острые головные боли и головокружения, а также «звездочки перед глазами»; периодические покалывания в области шеи и плеч, иногда отдающие в голову.
  • При остеохондрозе грудного отдела: боли в области сердца и грудной клетки.
  • При остеохондрозе поясничного отдела: боли в пояснично-кресцовом отделе; в области спины; нарушение рефлексов.

    Общими для этого заболевания являются: периодические ноющие боли в спине; острые боли при физических нагрузках; при запущенности или прогрессировании болезни онемение или потеря чувствительности конечностей.
    Но давайте перейдем от общего к частному. Итак, остеохондроз у артистов балета. Всем, кто когда-нибудь учился в хореографическом училище известна жесткая система естественного и искусственного отбора будущих танцовщиков. Начинаясь с отбора в училище, с проверки на выворотность, гибкость, музыкальность она продолжается практически до последних дней. Лишние килограммы — одна из самых частых причин расставания с мечтами о балете. И то что кажется жестокостью и несправедливостью — всего лишь забота о здоровье танцовщицы и танцовщика, которому придется ее «таскать». А подхватить и удерживать живой вес, зашкаливающий за полтинник — не так-то просто! А в дальнейшем — многочисленные каждодневные репетиции, спектакли, гастроли. Но при этом мало кто задумывается, разумеется до поры до времени, а готова ли моя спина к таким перегрузкам? А приводит это, как не чудовищно это звучит, нередко к инвалидности.
    Что же в таком случае делать? Во-первых: Надо работать над спиной, подходя к этому вопросу очень серьезно. Очень важно сформировать, так называемый, мышечный каркас, который будет опорой для позвоночника. А поможет нам в этом обычный резиновый растяжной эспандер (широкая и длинная резинка). Ежедневно перед занятием у станка или в любой другой удобный момент мы будем «закачивать» спину. Не буду тратить время на комплекс упражнений, его без труда можно найти в сети. Скажу только, что найти к чему привязать резинку вам не составит никаких проблем, а значит «качаться» можно практически в любом месте. Во-вторых: ПИТАНИЕ. Ни в коем случае не призывая вас толстеть предлагаю задуматься, что хотим мы того или нет нашим растущим косточкам необходимы кальций и фосфор. А значит —  рыба и творог. И не думайте, что нашпиговав себя химией вы решите все проблемы! В-третьих: стремитесь избавиться от вредных привычек! В-четвертых: старайтесь равномерно, по мере возможности, нагружать спину на репетициях. И тут хочу сделать маленькое замечание. Как вы думаете, чем отличается рюкзак от сумки через плечо? Правильно, наличем еще одной лямки. А значит надев рюкзак мы более равномерно распределяем нагрузку на спину. Пустячок, но тут мелочей нет и так во всем. Кстати, для информации. Нередко можно увидеть счастливых родителей, которые стремятся, как можно скорее поставить на ноги своего кроху. НЕ ДЕЛАЙТЕ ЭТОГО! Малыш должен вдоволь наползаться! Именно в этот период формируется тот самый мышечный каркас, о котором мы уже говорили. И самое интересное, что упустив этот момент в дальнейшем его уже не восполнить. В-пятых: берегите спину! От растяжений, от сквозняков, от травм. Тем более в период взросления организма. Не стесняйтесь одевать согревающие шарфы, тем более kinesio-2.jpgесли в репетиционном зале большие окна. Если хоть малейшие покалывания, опять же не стесняйтесь, носите специальные поддерживающие бандажи, которые вам назначит врач. Пройдите курс физиотерапии. В крайнем случае попросите у врача назначение на МРТ, чтобы точно знать, что у вас со спиной. Могу также посоветовать специальные спортивные тейпы — японский Kinesio и немецкий Muller, которые могут помочь не только спине, но и при различных растяжениях конечностей. Мне больше нравятся японские, но тут «на вкус и цвет…». Кстати, цвета этих тейпов различные, в том числе и телесный. В любом случае самое главное не унывайте и верьте в себя и все будет ОК!
    Теперь к вокалистам и музыкантам. Проблемы тут во многом схожи. Во-первых. БЫТЬ ТОЛСТЫМ — не модно! Более того, тучный вид для оперных див и певцов — не более чем распущенность. Живот никоим образом не участвует в процессе звукообразования. С другой стороны увеличивая вес мы увеличиваем нагрузку на опорно-двигательный аппарат. И, соответственно, интенсивнее стераем межпозвоночные диски. Во-вторых надо постоянно следить за осанкой во время ходьбы и за недопущением искривления позвоночника при сидячей работе или отдыхе. Помните ваша спина нуждается в постоянной физической подпитке. Очень неплохо если вы будете делать по утрам зарядку (не пренебрегайте этим). Замечательно если вы купите абонемент в фитнес зал. Еще лучше если в нем будет еще и бассейн (старайтесь плавать брасом) и русская баня (не забывайте про контрастный душ). А если при этом вы еще будете совершать утренние пробежки или забудете, что в вашем доме есть лифт! Но важно помнить нагрузку увеличиваем постепенно, бережем сердце! Ну и опять же — боимся сквозняков!  
   

Большой Театр

                  Балет
                  Опера

 

                                                                                                Балет
                                                   
Джоби Тэлбот, Джек Уайт
Chroma
Балет в одном действии


на музыку Антонио Вивальди

Cinque
Балет в одном действии Мауро Бигонцетти

на музыку Второго фортепианного концерта Сергея Рахманинова

Dream of Dream
Балет в одном действии

Том Виллемс

Herman Schmerman
Балет в одном действии Уильяма Форсайта

на музыку Энрике Гранадоса

Remanso
Балет Начо Дуато в одном действии

на музыку Валерия Гаврилина

Анюта
Балет в двух действиях

Игорь Стравинский

Аполлон Мусагет
Балет в одном действии

Людвиг Минкус

Баядерка
Балет в трех действиях
Людвиг Минкус
Большое классическое па из балета «Пахита»

Игорь Стравинский

Весна священная
Балет в одном действии
Людвиг Минкус
Дон Кихот
Балет в трех действиях
Цезарь Пуни
Дочь фараона
Балет в трех действиях
Драгоценности
Балет Джорджа Баланчина в трех частях

Адольф Адан

Жизель
Балет в двух действиях в редакции В. Васильева
Адольф Адан
Жизель
Балет в двух действиях в редакции Ю.Григоровича
Дмитрий Шостакович
Золотой век
Балет в двух действиях
на музыку Сергея Прокофьева
Иван Грозный
Балет в двух действиях
на музыку Жоржа Бизе и Родиона Щедрина
Кармен-сюита
Балет в одном действии
на музыку группы Fleshquartet
Квартира
Балет Матса Эка в одном действии
На музыку Александра Глазунова, Анатолия Лядова, Антона Рубинштейна, Дмитрия Шостаковича.
Класс-концерт
Балет в одном действии
на музыку Первой симфонии Сергея Прокофьева
Классическая симфония
Балет в одном действии
Лео Делиб
Коппелия
Балет в трех действиях
Адольф Адан
Корсар
Балет в трех действиях
Петр Чайковский
Лебединое озеро
Балет в двух действиях
Ефрем Подгайц
Мойдодыр
Балет в двух действиях
Игорь Стравинский
Петрушка
Потешные балетные сцены в четырех картинах
на музыку Петра Чайковского
Пиковая дама
Балет Ролана Пети в одном действии
Борис Асафьев
Пламя Парижа
Балет в двух действиях

Александр Глазунов

Раймонда
Балет в трех действиях
Сергей Прокофьев
Ромео и Джульетта
Балет в двух действиях
Дмитрий Шостакович
Светлый ручей
Балет в двух действиях

На музыку Серенады для струнного оркестра Петра Чайковского
Серенада
Балет в одном действии
Херман Северин Левенскольд
Сильфида
Балет в двух действиях
На музыку Жоржа Бизе
Симфония до мажор
Балет в одном действии
На музыку Игоря Стравинского
Симфония псалмов
Балет в одном действии
Арам Хачатурян
Спартак
Балет в трех действиях
Петр Чайковский
Спящая красавица
Балет в двух действиях
Петер Людвиг Гертель
Тщетная предосторожность
Балет в двух действиях
Леонид Десятников
Утраченные иллюзии
Балет в трех действиях
Карэн Хачатурян
Чиполлино
Балет в двух действиях
на музыку Фридерика Шопена
Шопениана
Балет в одном действии

Петр Чайковский

Щелкунчик
Балет в двух действиях
Цезарь Пуни
Эсмеральда
Балет в трех действиях
На музыку Иоганна Себастьяна Баха в оркестровке Отторино Респиги
Юноша и смерть
Балет Ролана Пети в одном действии

Опера
 
Джакомо Пуччини

Богема

Опера в трех действиях
Модест Мусоргский
Борис Годунов

Опера в четырех действиях
 
Вольфганг Амадей Моцарт

Волшебная флейта

Опера в двух действиях
 
Морис Равель

Дитя и волшебство

Опера в одном действии
 
Петр Чайковский

Евгений Онегин

Лирические сцены, спектакль с одним антрактом
 
Николай Римский-Корсаков

Золотой петушок

Опера в трех действиях
Петр Чайковский

Иоланта

Опера в двух действиях
Рихард Штраус
Кавалер розы
Опера в трех действиях
 Жорж Бизе
Кармен
Опера в четырех действиях
 
Александр Бородин

Князь Игорь

Опера в четырех действиях с прологом
 
Дмитрий Шостакович

Леди Макбет Мценского уезда

Опера в четырех действиях
 
Иоганн Штраус

Летучая мышь

Оперетта в трех действиях
 
Сергей Прокофьев

Любовь к трем апельсинам

Опера в четырех действиях
 
Джузеппе Верди

Набукко

Опера в четырех действиях
 
Сергей Прокофьев

Огненный ангел

Опера в пяти действиях
 
Петр Чайковский

Пиковая дама

Опера в двух действиях
 
Бенджамин Бриттен

Путеводитель по оркестру

 
Михаил Глинка

Руслан и Людмила

Опера в трех действиях
 
Николай Римский-Корсаков

Снегурочка

Опера в трех действиях
 
Винченцо Беллини

Сомнамбула

Опера в двух действиях
 
Джакомо Пуччини

Тоска

Опера в трех действиях
 
Джузеппе Верди

Травиата

Опера в двух действиях
 
Джакомо Пуччини

Турандот

Опера в трех действиях
 
Николай Римский-Корсаков

Царская невеста

Опера в четырех действиях
 
Петр Чайковский

Чародейка

Опера в четырех действиях

Флорина и Аврора

Партия Флорины в балете П.И. Чайковского «Спящая красавица» была впервыепр 1198 исполнена Г.С. Улановой в 1928 году. Эта партия часто служит «экзаменом» на балерину. Как свидетельствуют сценарные записи Петипа, первоначально в дивертисменте намечался ансамбль четырёх участников (pas de quatre) — Золушки, принца Фортюне, Синей птицы и принцессы Флорины. Но, видимо, под действием музыки балетмейстер отказался от такого смешения персонажей. Для Золушки и принца была написана дополнительная музыка (allegro agitato, переходящая в вальс), а сказка о Голубой птице получила самостоятельное толкование. Любопытно и то, что Чайковский, обычно абсолютно точный в выполнении заданий балетмейстера, отступил от предписанного ему объёма музыки, превысив в мужской вариации и в особенности в коде количество тактов, «запроектированное» Петипа.

  Короткое адажио изложено в виде дуэта двух птиц. Фоном дуэту служит размеренная, повторяющаяся музыкальная фраза. Запевает флейта — голос принца, колдовством обращённого в птицу, ему вторит кларнет, голос любящей Флорины. В середине адажио — небольшое звуковое нарастание, после чего дуэт ведётся в порядке, обратном первоначальному: мелодия передаётся от кларнета флейте. Хотел ли Чайковский видеть Флорину тоже изображённой в образе птицы? Конечно, нет. Это противоречило бы смыслу и сюжету сказки. Приём призван запечатлеть глубину чувства Флорины, живущей мечтами о милом. Партия Флорины состоит из мягких пируэтов и арабесков, плывучих батманов. В этом адажиетто партнёры моментами словно меняются обычными функциями, балерина как бы аккомпанирует танцовщику.
   Именно здесь проявилось у Улановой чувство абсолютного ритма. Свободно и легко двигались её корпус, руки и ноги мягкими, плавными линиями. Флорина Улановой не только — не только блеск технического мастерства, но и поэзия нежного чувства, грация женственности.
   В 1930 году Уланова выступила в заглавной роли «Спящей красавицы». Партия Авроры — одна из труднейших в классическом балете. Станцевать Аврору — значит установить своё право на звание мастера классического танца. Этот образ, данный в самой сказке и особенно в музыке, не только допускает, но и требует искусства лирико-драматической выразительности и, главное, развития образа, изменяющегося от акта к акту. Задача состоит в том, чтобы раскрыть единый образ в трёх различных состояниях. В первом действии — обояние расцветающей юности, наделённой чертами детской наивности. Трагическая концовка акта, накладывающая на поэтический образ тёмные тона. Во втором действии надо нарисовать бесплотное видение и в то же время придать Авроре обояние пленительной женственности, влекущей к себе принца Дезире. Наконец, в 3-м действии необходимы черты царственности и величия в сочетании с яркой эмоциональностью, с торжеством достигнутого счастья взаимной любви.
    Исходя из душевно-интонационного строя музыки создавала свою Аврору Уланова. В первый выход Авроры, Уланова сбегает по лестнице из правой кулисы — почти подросток, жизнерадостная королевская дочь, празднующая своё совершеннолетие. Резвясь, Аврора-Уланова кружилась по сцене, переходя от двухдольного ритма к стремительным фигурам на шесть восьмых. Уланова обрисовывала характер своей Авроры. Короткие, как бы бессознательно кокетливые pas de chat с еле уловимым оттенком глиссада, затем широкие прыжки и вращения — всё это представало игрой, естественным проявлением жизненных сил.
    Уланова начала адажио с внезапного переключения настроения — от беспечного упоения жизнью к нарочитой церемонности, приличиствующей торжественному моменту представления женихов, однако, балерина вскоре отходит от предворного этикета. В её отношении к кавалерам появляются нотки любопытства, доброжелательности, приветливости, однако без проявления какого-либо предпочтения одному из них. Это сказывалось и в манере протягивать руку перед обводками и в «выражениях поз» при поддержках. Критики считали, что в этом эпизоде Петипа сделал ошибку: одного из принцев сделал неизменным партнёром Авроры, из-за этого создаётся ложное впечатление, будто бы Аврора сделала его своим избранником. В исполнении Улановой казалось, что Аврора ни чем не отмечает настойчивое внимание принца. Здесь перед нами девушка уже готовая любить, но ещё не любящая. Она не знает кому из принцев отдать предпочтение и отдать ли его вообще. Все поддержки танца партерные: нет взлётов большого чувства. Словно юношей сдерживает и светский этикет и поведение самой принцессы, в одно и то же время и поощряющей поклонение и умиряющей проявление их восторга.
   Средняя часть адажио украшена арабесками, которые при возвращении в музыке основной мелодии с авторским обозначением con grandezza (величаво) сменяются фигурами pas de bourree. Заканчивалось представление » искателей руки принцессы» сменой настроения в исполнении Улановой, она всем своим видом показывала, что остаётся безответной к притязаниям женихов.
   После адажио наступает очередь танца фрейлин и пажей, за которым следует вариация Авроры. Она идёт в темпе медленного вальса с лёгким оживлением в средней части и весёлой, порывисто резвой концовкой. Все эти изменения давали Улановой повод тонкими нюансами исполнения подчеркнуть несколько чёрточек Авроры. Здесь снова, как в первом выходе, Аврора чувствует себя как бы «на людях». Она опять не принцесса, а девушка, то склонная к созерцательности и неге, то беспечно игривая, то отдающаяся упоению жизнью.
      В мягких оттенках движений, в плавных круговращениях ноги (rond de jambe en l’air), в упругих движениях на пальцах проступали признаки уверенности в себе, в своём обоянии, то есть то, что отсутствовало в танцевальной зарисовке первого выхода Авроры.

     Кода построена на общем оживлённом танце, как отмечено в сценарии Петипа. Только в репризе её, когда в оркестре вторично звучит основная музыкальная тема, в центре внимания снова становится сольный танец Авроры. Кода не замыкает номера, в конце её заложено зерно всего последующего инциндента, она переливается в финальную сцену акта.
    Связующим элементом служат триоли труб, подготавливающие вальсовый ритм танца Авроры с прялкой. «Аврора замечает старуху, которая своим веретеном отбивает такт 2/4 и которая переходит к темпу 3/4, весёлому и певучему»,- говорится в сценарии. У Чайковского эти удары на три разбивают ещё двухдольную коду и звучат как трагический голос рока. Тем самым предрешён драматизм короткого выльса — кружения Авроры, играющей с прялкой и не дающей отнять её придворным. Здесь на протяжении двух небольших шестнадцатитактовых периодов танца-игры, в резких речитативах в момент укола и в столь же лаконичном танце оцепенения Уланова создала истинно драматическую сцену.
     Так кончалась повесть о юности Авроры, рассказанная Улановой. Дальше образ трансформировался. Во втором действии Аврора — видение, возникающее перед взором принца Дезире по мановению волшебного жезла феи Сирени. В танце проступают новые черты — бесплотности, невесомости и вместе с тем нежной и обольстительной женственности.
     В pas d’action («действенном танце») с Дезире, где ведущая роль предоставлена мужской партии, Уланова воплощала манящую и ускользающую мечту, образ, возникающий в воображении принца. Уланова чутко обозначала противоречивость чувств, борющихся в душе девушки: с одной стороны влечение к принцу, с другой — застенчивость, пугливость, побуждающая её отстраняться и отбегать, как только Дезире удаётся приблизиться к ней.
    В коде видение возникает ещё на миг среди оживлённого ансамбля нереид, чтобы исчезнуть навсегда, ибо в третьем действии мы находим снова живую и уже другую Аврору.
     Последний акт «Спящей красавицы» для исполнительницы заглавной роли считается наиболее трудным. В последнем дуэте балета Уланова нарисовала образ королевской дочери, молодой супруги принца. Однако при всей парадности танца её героиня сохранила душевную теплоту. В следующей за адажио и сольным танцем Дезире небольшой вариации — в ритме польки — артистка завершала третий «танцевальный портрет» Авроры, дополняя характеристику новыми штрихами. Быстрые движения на пуантах, энергичные мановения рук выражали жизнерадостность, счастье.
    «Спящая красавица» не вошла в постоянный репертуар Галины Улановой. Однако, 22 мая 1947 года, в день, когда отмечалось 125-летие со дня рождения М. Петипа, Уланова танцевала в Ленинградском театре оперы и балета партию Авроры (во втором акте). В первом в заглавной роли танцевала — Семёнова, а в третьем — Дудинская.

Пролог

                                                         Музыка Р. ЛЕОНКАВАЛЛО
                                                                Либретто автора
                                                    Перевод И. П. ПРЯНИШНИКОВА

                                                               ДЕЙСТВУЮЩИЕ ЛИЦА

Канио (в комедии Паяц), хозяин труппы странствующих комедиантов     тенор
Недда (в комедии   Коломбина), его жена, ярмарочная актриса                       сопрано
Тонио (в комедии Таддео), комедиант                                                                     баритон
Пеппе (в комедии Арлекин), комедиант                                                                  тенор
Сильвио, молодой крестьянин                                                                                   баритон
Крестьяне и крестьянки

Действие происходит в калабрийской деревне Монталь-то (Италия) между 1865 и 1870 годами, в праздничный день.

                                                                       ПРОЛОГ

Тонио (просовывая из-за занавеса голову) Позвольте?..
                    
                       (Выходит)

Позвольте?..
(Кланяясь у рампы)
Простите за смелость,
Но должен я вам представиться здесь.
Пролог пред вами!
Тотчас мы предстанем здесь
В одежде старинной шутовской,
А потому и я пред вами,
Как в старину бывало,
Явиться должен!
Не для того, чтоб как прежде сказать вам:
«Те слезы, что мы проливаем,— поддельны!
На страдания и рыдания наши
Спокойно смотрите!»
Нет!
Нет, наш автор желает вам рассказать
Неподдельные страданья.
Он хочет вам показать,
Что и актер — человек.
Он лишь о правде одной помышлял,
Правдой лишь вдохновлялся!
В душе его восставали
Грустной толпою воспоминанья,
О них слезами он рассказал,
А рыданья ему помогали!
Итак, вы здесь сейчас увидите,
Как люди друг друга любят,
И злобы жестокой деяния,
И страданья наши, и крики ярости,
И смех безжалостный!
Позвольте ж просить вас
Позабыть на время, что пред вами
комедианты,—
В души наши вы загляните,
И что мы люди тоже —
Вас помнить прошу я,
Что, подобно всем на земле,
Живем мы, и любим, и страдаем!
Мысль пьесы сказал я,
Теперь судите, как она развита.
Итак,
Мы начинаем!

Поиски

Процесс работы у Лиепы не исчерпывается только репетициями и поисками пластического выражения поставленной перед собой актерской задачи. Он много времени уделяет поискам нужного грима, причем все гримы делает сам. В свободное время артист занимается лепкой. Много внимания уделяется костюму. Иногда найденная деталь, штрих, казалось бы, мелочь помогают ощутить эпоху, ее стиль, нащупать характер образа. 
          Поддерживая дружбу со многими режиссерами драматического театра, Лиепа никогда, однако, не прибегал к их помощи в работе над своими ролями — уж слишком отличаются методы драматической и балетной сцены. Однако артист признает, что театр и кинематограф оказывают на него очень большое воздействие.Драматический спектакль или интересный фильм, концерт симфонического оркестра или выставка — все это собирается и преломляется в эмоциональной памяти артиста, чтобы потом поведать зрителю нечто важное, значительное о мире, о человеке, о жизни.

       Балет «Тропою грома», поставленный впервые К. Сергеевым на сцене Ленинградского театра оперы и балета имени С. М. Кирова в 1957 году, был перенесен в Москву в середине 1959 года. Музыка Кара Караева, национальная, яркая, сверкающая разнообразием оркестровых красок, привлекала глубокой эмоциональностью и драматизмом. Главное же заключалось в том, что герой балета Кара Караева — современный человек, живущий в сложном и богатом мире мыслей и эмоций. Вот эти современность и глубина решения и манили Лиепу, суля радость постижения нового характера. Герой «Тропою грома» привлекал Лиепу прежде всего своей незаурядностью, сильным и цельным характером, вступающим в борьбу с, казалось бы, неодолимыми силами.
В работе над ролью Лиепа пошел по пути, который подсказывала ему актерская интуиция: Ленни должен в первую очередь обрести пластическую индивидуальность. Она не смыкается ни с одной из танцевальных характеристик других персонажей: отличный от белых, он непохож и на своих собратьев, к которым вернулся из Кейптауна, чтобы учить местных детей. Ленни Лиепы ходил с высоко поднятой головой. У него красивая и благородная осанка. Общаясь с белыми, он смотрел им прямо в глаза. Любовь Ленни — Лиепы отличалась эмоциональной взволнованностью, правдой переживаний, большой гордостью.
Кульминационное адажио в ночном вельде — южноафриканской степи- исполнялось Лиепой на одном дыхании. Все — и высокие поддержки и стремительная динамика непрерывно льющегося танца — говорило о наступившем счастье, о готовности бороться за него. Движения танца Ленни обретали все большую широту, уверенность, мужественность. В финале балета перед зрителем представал народный герой.
Дуэт Сари и Ленни построен балетмейстером вне привычной классической структуры: выход-адажио — вариации — кода. Здесь все подчинено логике внутреннего развития образов. Вот Сари и Ленни тянутся друг к другу, вот Ленни поднимает любимую, вот Сари, охваченная счастьем, смотрит на него, исполненная любви.Поддержки-были словно всплесками, возгласами огромной любви, охватившей юношу.
      Дуэт в вельде — очень большой, раздавались даже упреки в том, что он несколько затянут, но Лиепе он нравился именно таким. Танцовщику казалось, что, будь этот танец короче, ему бы не высказать до конца чувств своего героя.Роль эту Лиепа исполнял в течение нескольких лет. В 1963 году И. Македонская, педагог актерского мастерства в Московском хореографическом училище, отмечая возросшую академичность и отточенность танца Лиепы, писала, что «все эти качества существуют у артиста не сами по себе, а являются средством раскрытия многогранного образа Ленни». Высоко отзываясь о музыкальности артиста, она подчеркивала, что Лиепа умеет жить в ритме музыки Кара Караева, а это помогает ему на протяжении всего спектакля быть органичным и естественным, логично переходить от пантомимы к танцу. Его танец вытекает из пантомимы, а пантомима является продолжением танца. Умение танцевать музыку — ценнейшее качество балетного артиста. Оно позволило Лиепе и в пантомимных сценах продолжить жизнь своего героя, сделать образ правдивым, исполненным трагического накала. В конце первого сезона работы танцовщика в Большом театре балетмейстер Л. Лавровский поручил Лиепе партию Юноши в балете «Ночной город», поставленном на музыку «Чудесного мандарина» Б. Бартока.Судьба «Ночного города» оказалась далеко не безоблачной. Право балетмейстера на собственное прочтение музыки Бартока оспаривалось многими музыковедами и композиторами. Веским аргументом служило очевидное противоречие между новым сюжетом и музыкальной драматургией «Чудесного мандарина». А балетмейстер слышал в музыке совсем иную трагедию… И что бы ни говорили его оппоненты, балет получился волнующим. Лавровскому удалось создать хореографическую драматургию, в которой раскрывалась трагическая история любви Девушки, жертвы улицы, и случайно встреченного ею Юноши. Лавровский пошел на переосмысление музыки Бартока, услышав в ней глубоко потрясающие по своей трагичности мотивы, далеко уходящие от либретто Лендьела о мандарине, который, умирая, израненный и полузадушенный, все еще искал утоления своей страсти…
Образ Юноши предстояло воплотить Марису Лиепе. Опытный балетмейстер, умевший пробудить творческую индивидуальность, работавший не с одним поколением мастеров танца, Лавровский разглядел в молодом танцовщике того исполнителя, который легко и свободно мог бы существовать в непривычных предлагаемых обстоятельствах, чутко реагировать на сложную психологическую обстановку. И тут снова на помощь Лиепе пришло его умение искать и безошибочно находить зерно характера. Юноша в синем комбинезоне не имел своей танцевальной характеристики. Но Лиепа этого добился. Его Юноша — жертва большого города. Как бы ни были смелы и благородны порывы молодых, город крепко держит очередную жертву в тисках и в конце концов губит ее. Но гибелью Юноши утверждалась правда чистого чувства и человеческого достоинства.Лирический дуэт в момент встречи Юноши и Девуушки — один из центральных эпизодов балета. Лиепа раскрывал здесь глубину большого чувства своего героя. Оно рождалось в ответ на рассказ несчастной о своей судьбе. Это было не только сострадание, но и рождение первой любви.  Своеобразный подтекст, которым Лавровский насытил хореографию «Ночного города», помог Лиепе привнести трагические ноты в образ Юноши. Наибольшего трагического накала артист достигал в финале балета. …Заканчивался дуэт любви. На улице появлялся рыжий главарь. Девушка, подозревая, что Юноше грозит беда, пыталась скрыться вместе с ним. Начиналась сцена погони. Банда настигала влюбленных. Окруженный бандитами, Юноша — Лиепа бесстрашно и отчаянно дрался, пока не падал смертельно раненный. Появлялся полисмен, и Рыжий исчезал вместе с бандой. 
       В памяти всех, кто видел этот балет, остался момент, когда Девушка — Н. Тимофеева, мелко перебирая ногами в па-де-бурре, двигалась вдоль рампы, как бы неся Юношу — Лиепу, изнемогающего от смертельных ран, на своей спине. Девушке не удавалось спасти раненого Юношу. Теряя силы, Юноша — Лиепа скользил на землю и умирал на ее руках. Вернувшийся Рыжий и его приятель сбрасывали труп Юноши в канаву. А когда появлялся совершающий обход полицейский, внешне все уже казалось спокойным: Рыжий и его друзья танцуют; Девушка вновь идет по городу. Но мечты ее разбиты: единственно желанный, кого она встретила, уже мертв. Лиепа заставлял зрителей полюбить своего героя и скорбеть вместе с Девушкой о его гибели.
Марис Лиепа был первым и единственным исполнителем партии Юноши в «Ночном городе» и танцевал ее, пока спектакль шел на сцене Большого театра. Лиепа остался навсегда благодарен этой работе: она научила его тонко и точно раскрывать образ, отыскивать его психологическую сущность. 

Метрополитен Опера ( Metropolitan Opera )

Метрополитен ОпераОдин из самых знаменитых и известных оперных театров мира, выступать в котором мечтают многие, речь пойдёт об американской Метрополитен Опера (Metropolitan Opera) или «Мет», как его часто называют. Свою историю театр ведёт с 1880 года, когда на средства акционерного общества «Метрополитен Опера хаус компани», архитектор Кливленд Кейди на Бродвее построил здание оперы, зрительный зал которой был расчитан на 3625 мест. А открылась «Метрополитен Опера» 22 октября 1883 года оперой «Фауст» Шарля Гуно. Первым художественным руководителем театра стал дирижёр Л. Дамрошу. Репертуар первые годы строился, в основном, на немецких произведениях: «Нюрнбергские мейстерзингеры» (1886), «Тристан и Изольда» (1886), «Зигфрид» (1887), «Гибель богов» (1888), «Золото Рейна» (1889).  
     «Мет» не избежал судьбы многих оперных театров мира, уже через девять лет после открытия (27 августа 1892 года) в здании

оперы случился пожар. Повреждения были значительны, но театр быстро востановили. В начале XIX века на этой сцене пели такие знаменитости, как Энрико Карузо (его дебют состоялся в 1903 году), а в 1907 году Фёдор Шаляпин.
     С 1908 года художественным руководителем оперы становится А. Тосканини. Он ввёл в репертуар оперы французских, итальянских и русских композиторов. В 1910 году в «Метрополитен Опера» была поставлена «Пиковая дама», а в 1913 оперы «Борис Годунов». В 1910 году ставится опера американского композитора Ф. Конверса «Трубка страсти». Тогда же окончательно утверждается традиция — ставить оперы на языке оригинала. В конце этого года состоялась премьера  Джакомо Пуччини — «Девушка с Запада», а в декабре 1918 года, триптиха «Плащ», «Сестра Анджелика» и «Джанни Скикки». В этих произведениях выступали: Дж. Де Лука, Дж. Мартинелли, Б. Джильи (с 1920), А. Галли-Курчи, Титта Руффо, М. Ерица, в 30-е годы — Г. Мур, Э. Пинца, Л. Тиббетт, в 30-40-е гг. — Л. Альбанезе, Ю. Бьёрлинг, Д. Джаннини, З. Миланова, Л. Понс, М. Сингер, Л. Уоррен. С начала тридцатых годов оперные постановки театра стали передаваться по радио.
     В 1950 году «Мет» возглавляет Р. Бинг. При нём в театре начались серьёзные изменения. Он увеличил длительность сезона до 31 недели, в театр стали приниматься негритянские артисты. Первой была М. Андерсон (1955, «Бал-маскарад»). В 1956 году в опере «Норма» впервые выступила Мария Каллас.
      В 1966 году оперу было решено перенести в другое здание. Переезд состоялся в сентябре 1966 года, новый театр построили в Линкольн-центре Нью-Йорка. Зрительный зал оперы вмещал  уже 3900 зрителей, кроме основной сцены были предусмотрены ещё три вспомогательные. Стены вестибюля украсили фрески Марка Шагала. В 1967 году старое здание оперы снесли. В 1968 году состоялась премьера оперы «Мурнинг становится Электрой» Марвина Дэвида Леви с Пласидо Доминго и Лучано Паваротти.
      Также были поставлены: «Луиза Миллер» (1968), «Отелло» (1972), «Сицилийская вечерня» (1974) Верди, «Фиделио» (1960); «Турандот» и «Девушка с Запада» Пуччини(1961), «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси (1962), «Сомнамбула» (1963); «Женщина без тени» Р. Штрауса (1966), «Волшебная флейта» (1967), «Валькирия» (1967), «Парсифаль» (1970), «Тристан и Изольда» (1971); «Питер Граймс» Бриттена (1967), «Норма» (1970), «Вертер» (1971), «Вольный стрелок» (1971), «Дочь полка» Доницетти (1972), «Кармен» (1972); «Троянцы» Берлиоза (1973), «Сказки Гофмана» Оффенбаха (1973), «Осада Коринфа» Россини (1975).
      В наши дни театр открыт семь месяцев в году: с сентября по апрель. Спектакли идут ежедневно. Оркестр и хор театра работают на постоянной основе, а солисты и дирижеры приглашаются по контракту на сезон или на определенные спектакли. С мая по июнь театр выезжает на гастроли. В июле дирекция устраивает бесплатные спектакли в парках Нью-Йорка.
   С 2006 года «Метрополитен Опера» транслирует свои постановки в режиме реального времени в Интернете на своём официальном сайте.
    Нередко можно увидеть российских исполнителей на этой знаменитой сцене, это и Дмитрий Хворостовский и Анна Нетребко.  В репертуаре театра такие постановки, как: «Любовный напиток» Гаэтано Доницетти; «Отелло» Дж. Верди;  «Буря» Томаса Адаса; «Милосердие Тита»  Моцарта; «Риголетто», «Аида» и «Бал-маскарад» Дж. Верди; «Юлий Цезарь»  Генделя и др.  

Использована информация с официального сайта «Метрополитен Опера».